El Cafecito


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Guión cinematográfico y sentido común, por Salvador Plancarte Hernández

Escribir un libro de Guión cinematográfico es extraño, jactancioso, vanidoso, engreído, fatuo… (Según los sinónimos de Word).  De antemano, por sentido común, tendría un propósito, llenar un hueco inexistente en el mercado o simplemente decir lo que a uno le ha funcionado.

La frase cliché “El sentido común, es lo menos común que existe”, Carriere, guionista de Buñuel, la explica sencillamente: la mente es floja, no nos gusta forzarnos a reflexionar y así estamos bien.

Guión cinematográfico, tan sencillo o complicado como lo queramos ver. Dov Simmens lo resume, cierra los ojos e imagina, grita “Corte”, ya tenemos una película, o bien complicarnos con estructuras, construcción de escenas, diálogos, personajes, etc. No, en realidad no, solo unos muchos y pocos, pequeños y largos pasos más.

La cuestión y meollo para escribir, es muy sencilla y la metodología también: ver una película, volverla a ver varias veces y ser consciente de la historia, así aunque no lo quieras aprenderás a escribir, entenderás la lógica, la matemática de una historia y las formulas que se establecen en 90 minutos. Pero no es tan sencillo porque debes poner atención y olvidarte del filme.

·Mira la película para entretenerte.

·Presta atención a la historia.

·Observa personajes y al mismo tiempo pregúntate como le hace el guionista para mantenerte interesado.

·Mira las imágenes que reflejan la historia.

·Entiende la causa y efecto

·Piensa por qué te interesa seguirla viendo.

·Motívate de lo mala que es la película.

Listo. Ahora el proceso de Fowley: “mira la pantalla u hoja vacía y siéntate intentando escribir hasta que te sangre la frente”.

¿Cuántos libros de guión existen? ¿50? ¿100? Quizá 200, 300… ¿Cuántos libros puedes leer? ¡Todos! ¿Cuántos guiones podrás escribir leyendo? ¡Ninguno! ¿Cuántos guiones escribirás, escribiendo? ¡Todos los que te dé tu necesidad!

¿De qué escribir? ¡De lo que no dejes de pensar! Camina y venera lo que ves, así se te abrirá el mundo. Crea conflicto y drama a esa idea que te venga a la cabeza, piensa si tiene historia o es solo una anécdota. Perfila personajes interesantes, piensa en imágenes. Y MUESTRA la historia, NO la Expliques. ¡Hay que verla! UNA REGLA: Cautivar, mantener y aumentar la atención del espectador.

Cierra los ojos y escribe… o sigue leyendo y escribe… o ve al baño y escribe… ¡esa es la única condición! La sed solo se calma bebiendo.

Salvador Plancarte Hernández es Licenciado en Comunicación Medios Masivos por la Universidad Autónoma de Aguascalientes y Maestro en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Guadalajara.


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Violencia sexual en el cine, morbo y explotación para avanzados, por Salvador Plancarte Hernández

Mi arte esta por encima de tu moral.

Alf

1.  Hazte un favor y voltea la cara

Regodeo excesivamente falto de criterio en las escenas sangrientas, ausencia de moral en la aproximación al sexo, la palabra es parafilia y, una abrumadora falta de pretensiones artísticas de cualquier índole. ¡Qué maravilla!

Conoce la verdadera alternativa del cine, a años luz de Pink flamingos, de Lynch, Tarantino, Miike Takashi… inocentes y comerciales en comparación.

El cine, como el medio más morboso que puede existir, que incluiría las bondades de un refinado y estilizado voyeurismo morbofilico, la conjunción de las artes, hace posible cualquier “eventualidad”, digámoslo así. Lovecraft menciona: “Todo lo que el hombre puede imaginar, puede existir” y el cine puede plasmarlo, ¿democratizar la imaginación?, o al contrario imponer visiones, ensuciar la mente y romper paradigmas.

Verdadero cine gore, de verdadero culto, de verdadera serie B o Z, cinematografía de lugares extraños, los infrageneros. Mondo, cárceles de mujeres, falsos documentales, aberrantes imágenes, cine filipino, remakes pastiches y kitch made in turkia, cine pakistani… musicales hindúes, enfermedades asiáticas.

Lo bizarro viene de la mano con el morbo y con él, la politoxicomanía, las filias y parafilias, pero no es sólo eso, no es cine enfermo, es sencillamente quizás la verdadera fábrica de sueños.

2. Sexopatías (Prólogo a La noche de los sexos violentos / Miguel Ángel Martin)

Porno mudo. Porno en blanco y negro. Porno de cine recién inventado. Porno ridículo. Porno patético. Porno de asco. Modelos sin depilar. Gordos, Fofos. Alcohólicos. Putas baratas. Zoofilia a cámara rápida.

Pasen y vean. Nada de silicona. Nada de conejitas pijas de PlayBoy. Penes de verdad. Vaginas de verdad. Sexo sucio. Sexo que la pone dura. Violencia. Torturas. Fetichismo. Sado. Maso. Psycho. Esquizo. Neuro. Anal. Las mujeres que disfrutan siendo sodomisadas no son homosexuales. Los hombres tampoco. Retención anal, cuadro clínico descrito por multitud de psiquiatras y y relacionado con numerosas y extrañas parafilias. Demorar la evacuación de heces dilata el placer sentido al hacerlo. ¿Quién no conoce a alguien que lee en el baño? Padres, madres, hermanos, hermanas, amigos, amigas, novias, novios, chicos, chicas, gays, lesbianas.

Pasen y vean. Brujería. Satanismo. Monjas. Nazis. Enanos. Monstruos variados. Fatty Arbuckle y su botella de Cocacola.

Pasen y vean. ¿Creen que lo han visto todo? No se vayan todavía. Piercings imposibles. Tatuajes vivientes. Amputaciones delirantes rayando con el arte bruto. Modificaciones corporales. Penes esculpidos a golpe de escalpelo. Penes hendidos. Quemados. Hinchados. Anillados. Remachados. Clavados. Aplastados. Autocastraciones. Testículos hinchados por soluciones salinas. Clavos de grueso calibre en la uretra. Cuerpos suspendidos de un pene.

Pasen y vean. Toda la historia de sus sueños, anhelos y pesadillas reunidas en un puñado de páginas. Información insólita. Diversión garantizada.

Pasen y vean. ¿Películas Snuff? ¿Esas de las que todo el mundo habla pero que nadie ha visto? LA rodaremos para usted.

Pasen y vean.

3. Palabras Claves para curiosos

…la mujer encerrada en una celda con un doberman mientras tiene la menstruación, o la judía colgada boca abajo sobre un agujero infestado de ratas carnívoras, la demente coprofaga que come, se frota y se masturba con excrementos; el túnel incinerador por el que hacen pasar a un montón de judías desnudas, algunas de ellas embarazadas…

Autoflagelaciones compulsivas. Abnormal:ugly abuse, Adults only, Aftermath, Ajita Wilson, Alucarda, Amy yip, An unspeakable nightmare of eroticism. Audrey Campbell, Azote disciplinario, Barb wire dolls, Bamboo house of dolls, Barbara Steele, Betty Page, BDSM, Bolsas de vomitar repartidas a la entrada de los cines. Bizarre, ¡Banned in 19 countries! Blood feast, Blue films/porno Ingles, BME videos, Bondage, Box balls & other disgusting shorts, Bruce Seven, Buried treasure, Caligula, Campos nudistas, Campos de concentración, Captive girls used for experimens of lust. Cinema of transgression, Compañía Nureki, Candy Simples, Conventos, Carrie ng, Carceles femeninas, Daydream, Diviértete con la diana humana, con la extracción de cerebro y otras muchas: tu sensibilidad no podrá aguantarlo. Dog-o-rama, Dog sucker, Dominatrix, Dyane Thorn, Dwain Esper, Erica Gavin, ¡Everything show!, ¡Everything explained! Erogro/erotismo grotesco, Erotismo antropomórfico. El perro masajista, Emmanuelle, Entrails of a virgin, Faster pussycat, kill, kill, Fetichismo, Findlay`s, Forced entry, One shocking moment – the most sensuos motion picture ever made. Garganta profunda, Gerard Damiano, Grandpa is a sex freak, granny likes to watch AKA the piss-anal fist-fuck orgy party, Grindhouses/locales de exhibición de exploitation, Olgas house of shame 36 hours of terror. Guts of a virgin, Hisayasu Sato, Hirsute sandra, Holocausto porno, Hygienic Películas educativas para mentes calenturientas y pobres de espíritu. Productions, Ilsa, Infrageneros, I spit on your grave,Isabel Sarli, Jay Edwards, Jean Rollin, Jefa de prisiones, Jesús/Jess franco, Joe Sarno, John waters, Joys of torture series, Just Jaeckin, Kenneth Anger, Prisoners in a barbaric hell. Kz9 campo de exterminio, Las noches eróticas de los muertos vivientes, La novia de cabello blanco, Linda Lovelace, Liliana Cavan, Lily St. Cyr, Lolita: vibrator torture, Love camp 7, Madre superiora, Mad masturbatos in a gas mask, Maniaca sexual, Masami Akita, SNUFF the film that coul only be made in south America, where life is cheap. Master, Men behind the sun, Mondo cane, Mujeres en el campo de concentración del amor, Mutilating the virgen, The bloodiest thing that ever happened in front of a camera. Naomi sugishita in bondage, Nicholas Chorier/satyra sotadica, Nikkatsu, Nudist-films, Nudies-cuties, Olgas girls, Orgía de ninfomanías, Pinku eigas, Promiscuous wife:disgraceful torture, Rapeman, Rascal rex, Rated X, Real Extreme, Reform school girls, Richard kern, Rin Tin Tin mexicano, The picture they said coud never be shown. Romain slocombe, Rubberist  magazine, Russ meyer, Sadomania, Sargenta nazi, Squareworld, Sexualaufklärung, Star of dave, SM torture freaks, Snuff, Strip-o-rama, Stag film/inicios del porno, Star Chandler, Slave, Supervixens, Sylvia Krystel, Sweet Gwendoline, Tempest Strorm, Tinto Brass, The touch of her flesh, The punishment of Anne, Torture chronicles, This film exceeds the imagination. Ultravixes, Uschi Digart, Vixen, Violated angels, Women in cell block 9, Women behind bars, W.I.P. Women in prison. The eating, drinking, pissing & shitting film.

Salvador Plancarte Hernández es Licenciado en Comunicación Medios Masivos por la Universidad Autónoma de Aguascalientes y Maestro en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Guadalajara.


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Keep repeating “it’s just a movie”, por Salvador Plancarte Hernández

666, 1969, 2000 Maniacos, Abbott and costello, Addams family, Alien, Arañas, Argento, Armadillos? amenazas animales, amenazas bacteriologicas, Amitvylle, Bava, Blood, your precious blood, Bad taste, Barbara Steele, Begotten, Blacula, Black, Blackenstein, Body snatchers, Body snatchers, Bela Lugosi, Black Cat, Boris Karloff, Braindead, Blairwitch, Bloody, Brainiac, Bride of… Browning, Bruce campbell, Buttgereit, Caligari, Carl laemmle, If nancy doesnt wake up screaming, she wont wake up at all, Cat people, Casa negra, Carrie, Caníbal Holocaust, Cesare, Cinefantastique, Cicatrices, Christine, Craven, Colmillos made in México, Chamber of horrors, Chano Urueta, Oh, mad Christine, who would not heed my warning! Christopher Lee, Cronenberg, J. Dante, Demian, Deformaciones, Dementia 13, Depredador, Diaboliques, Dracula, Dracula-1979, Dr Jekyll & Mr. Hyde1911, Dr Jekyll & Mr. Hyd/1920, Edison FK, Elvira, Erasehead, its a live, it s alive…Fangoria, Famous monsters of filmland, Fernando Méndez, Frankestein, Frank n Further, Freaks, Freddy, Fryday the 13th, Fulci, gigante, godzillas, Golem, Gore Gore Girls, Guinea Pig, German Robles, Hammer, Häxan, Horror, House of… Hunchback of Notredame, Hi-tech monsters, House-wax-haunted ,Herschell Gordon Lewis, Hell, Warning to people with weak hearts no doctors or nurses in attendance, Horrifying, I was a teenage…, I demand a mate…Invisible man, It comes to life, Innsmouthm, Invaders from mars, Insectos, James whale, Jason, Jaws, King Kong, Krueger, Kwaidan, Alfileres para no cerrar los ojos. Landis, Leather face, Lon chaney, L´uomo lupo, Lloyd Kaufman, Last house on the left, Lovecraft, Laboratorios, Mike Myers, Macabre, Momia, May, Miedo, Monstruos, Munster tv show, Muzan-E, Monstruo de la laguna, Murder, Miniaturas, Maiz, Man of thousan faces, Instead of a perfect human being, the evil in Frankestein´s mind creates a monster, Mojica Marins, Maschera del demonio, Necrophagia, Night of the living dead, Neckromantik, Nosferatu/1922, Opera, Oscuridad, Omen, One monster would be terrific, but her are five to bring you, five times the thrill, Dracula, Frankestein monster, Wolf man, The mad doctor and the Hunchback, Onibaba, Poltergeist, Psycho, Phantom of the opera/1925, Predator, Peeping tom, Peter cushing, Poe-Price, Phantom, Quasimodo, Rosemary, Re-animator, Ringu, Raven, RHPS, Rafael baledon, Revenge of…Return of… Rue morgue, Romero, Ruggero Deodato, Sangre, Shining, Snuff, Screaming Queens, Buried alive for 3700 years, brought back to live,  to love and kill, Skeletos, Suspiria, Toxie, Terence Fisher, terror, tumbas, truenos, Total terror from outher space, Tennage…The curse of…Terrifying, Takahi, Tsukamoto, Texas chainsaw, Thera bada, Terror, Tobe hooper, Norman Bates, S. King, Vampire, Visceras, Vampiro, Virgenes, Vargtimmen, Walt disney´s mickey mouse the mad doctor, Werewolf, Wurdulak, Zombi.

Don’t dare see it alone.


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Troma Films, movies of future, por Salvador Plancarte Hernández

Duchamp, coloca un urinario en un museo y le llama arte, he ahí la comparación más fiel al arte cinematográfico de Lloyd Kaufman. Recién he terminado de leer Make your own damn movie,[1] libro editado por ST. Martin’s Griffin, y creado por Lloyd Kaufman. El éxito particular de este libro que se enfoca a enseñar cine por medio de los secretos de un director renegado, se da en traer a colación precisamente el estilo de Troma. Así, haciendo un poco de memoria particularmente me ha sido difícil tener acceso a este material si no es solamente por pedido, de tal forma que realmente vale la pena contextualizar y mencionar que diablos es la Troma.

Troma, fundada por Michael Herz y Lloyd Kaufman, es la productora independiente más antigua de Estados Unidos, ahora una verdadera institución. Exceso de sangre, exceso de sexo, exceso de desnudos, exceso de vísceras, exceso de transexuales, exceso de cabezas aplastadas, exceso de humor grotesco, exceso de eyaculaciones, flatulencias, vómito y defecaciones, exceso de descuidos en producción, exceso de imbecilidad, y exceso de diversión. De esta forma burda se puede definir el estilo de Troma, que ha influenciado a Trey Parker y Matt stone, Tarantino, Pancho Perez y Prabda Yoon.

Se dice que se aprende de las obras maestras, pero se aprende aun más de los filmes malos. Troma es semillero de falta al respeto por el arte cinematográfico, sin embargo resulta fascinante. Filmes como la ahora ya franquicia, El vengador tóxico (1985), Kabukiman (1991), Tromeo y Julieta (1996), o Terror Firmer (1999), esta última una lección de los avatares en la producción, el filme intenta ser el intento de un filme, donde para empezar el director es absurdamente invidente. En la primera escena, una asesina serial arranca la pierna de un peatón, acto seguido inserta sus manos en la barriga de una chica embarazada, para extraerle el feto, creándose el toma y daca con dicho feto.

Troma es ejemplo de franquicia, con fieles seguidores en todo el mundo, el logotipo de Troma y su slogan películas del futuro, lleva intrínseco esta serie z, y exceso de mal gusto, siempre teniendo en cuenta sus fortalezas, no solamente como ejercicio de mal gusto como Waters lo experimenta en Pink Flamingos (1972), sino como un sello particular, a esto se añade el aire de explotación por parte de Kaufman, al incluir en, hasta la fecha cuatro de sus cintas, el mismo choque de carros, algo ya marca de la casa, o el utilizar a la estrella porno, Ron Jeremy, o a la estrella de Motörhead Lemmy Kilminster, junto con la utilización para su promoción de estrellas que de jóvenes rodaron para la productora como Mel Gibson.

Troma tiene su propio festival cinematográfico, y de hecho su propia ciudad, Tromaville; su propio programa televisivo; sus propias edecanes, trommettes; incluso su propia definición de mujer, en inglés la palabra woman, lleva la palabra man, una aberración, de tal forma que adoptan el término Gyno, para referirse a todo el sexo femenino.

Troma retoma el cine como entretenimiento, sin embargo el acercamiento a esta imaginería burda es la que dota de sentido a sus filmes, y es precisamente este afán de explotación la que crea grandes lagunas en la calidad de sus filmes, cuando se tienen realmente pocos recursos y se intenta realizar una película seria, es así que en filmes como Los surfistas nazis deben morir (1987), Maniac nurses find ecstasy (1990) o Sardu (1976), encontramos, argumentos absurdos, actuaciones asquerosas, dirección amateur, enfermeras en ropa interior, cuchillos y metralletas, enanos succionadores de cerebros, adolescentes neonazis confundidos con su sexualidad, y definitivamente un verdadero repelente por cualquier tipo de cine, incluso las superproducciones. Por el contrario inestimablemente se recomiendan otros filmes como Vegas in space, un entrañable mundo en una maqueta interestelar llena de travestís, donde Ed Word parecería Orson Welles, o Canibal the musical, japoneses indios con tipis verdaderos, que enseñan kung-fu, aunque sea distribuida por la Troma es un filme en toda regla de los estándares de calidad. Y ópera prima de los creadores de South Park.

Finalmente, el acercamiento a la Troma requiere una mentalidad específica, para algunos es basura, para otros preciosa basura. Es realmente difícil que se haya visto algo así, o que incluso se piense en cine para crear algo como lo que realiza la Troma. WARNING THIS IS A TROMA MOVIE!


[1] KAUFMAN Lloyd, Make your own damn movie, ed. St. Martin´s Griffin.

Salvador Plancarte Hernández es Licenciado en Comunicación Medios Masivos, actualmente estudia la Maestría en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Guadalajara.


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Môjû, por Salvador Plancarte Hernández

Lo bello no es una sustancia en sí, sino un juego de claroscuros producido por la yuxtaposición de las diferentes sustancias que va formando el juego sutil de las modulaciones de la sombra.

Tanizaki

Hazme llorar de alegría, corta mis brazos y mis piernas,

Corta este cuerpo en pedazos.

Aki

Môjû

Dirigida por Yasuzo Masumura

Historia Original: Rampo Edogawa

Adaptación: Yoshio Shirasaka

Sinopsis

Michio, un escultor ciego, rapta a una modelo de la que admira su cuerpo (Aki), la lleva a su estudio, un lugar bizarro de esculturas gigantes y la fuerza a posar para hacer una escultura de ella. Él se obsesiona con explorar los sentidos, al principio Aki intenta escapar y más tarde pierde la vista, sucumbe ante la fascinación para llevar al máximo ambas ambiciones.

Trinidad

Desde el inicio del filme se nos presenta a los protagonistas, Aki y Michio únicos personajes junto con la madre, que interactúan en el filme y a la vez el inicio nos da pistas del entorno y comienza a meter al espectador en un mundo sin luz y de gustos no comunes. Aki, lleva una vida de modelo, la misma que lleva después de ser raptada, sólo que en niveles diferentes. Michio, el escultor, es un personaje solitario totalmente entregado a su pasión, el reconocimiento de las formas femeninas es su entorno habitual, cuando conoce la escultura de Aki, se subliman sus sentidos para llegar a una obsesión, amor a primer tacto, un filme que actúa como un tributo a los sentidos, donde se lleva el hedonismo a un grado extremo.

Aki se nos presenta como una chica con gusto por el arte y sus fotos son en la vena del bondage, desde el principio hay una conexión entre Aki y Michio, sus cuerpos se fusionan, Michio toca la estatua y Aki comienza a sentirlo. En el segundo encuentro se repite la primera escena, sólo que ahora acaricia a la modelo verdadera, ella se comienza a revelar “si no me lastima, no me satisface”, hablando del masaje y repite nuevamente que lo haga más fuerte, Michio tiene ojos en la punta de sus dedos, es su sentido potencial.

Michio fue criado solamente por su madre, a la cual confiesa odiar, sin embargo siempre le ha cumplido todos sus caprichos, se vuelve una relación que en cualquier momento explotaría, la invidencia de Michio evoca ternura y maldad, lo que empieza como una escultura tributo a su madre, termina en la tumba de esta.

El Filme transcurre enteramente con 3 personajes y en 3 escenarios, el museo, la casa de Aki y el estudio de Michio, este a su vez en 3 partes, el estudio en si mismo, el recibidor, y la fachada.

…córtame profundamente y gira el cuchillo

AKI

Bizarro

Môjû se muestra como una película bizarra para el ojo occidental, una película extrema (la muerte de la madre y el final) que para espectadores japoneses se apega a sus paradigmas, donde observar un final trágico es una virtud, no así en occidente donde hace la función de shock, donde se está acostumbrados mayormente a finales rosas y a asistir al cine donde los filmes cumplen un ciclo para salir del mismo relajados; el final quizás sea el mejor ejemplo de acabar un filme en su concepción regional.

El filme se ha consolidado dentro de un circuito de cine de culto, el mismo se distribuye en América por Fantoma, misma que distribuye otros cinco títulos de Mazumura. La distribuidora pertenece a un cine más oscuro, subversivo, bizarro y de culto, la temática bizarra y las imágenes impactantes para occidente han llevado a este filme a un estatus diferente a un filme accesible. Môjû se vuelve una obra de ensayo al dejar abiertas puertas para todo tipo de público, pudiendo englobar Môjû, en cine erótico, de horror, drama y de culto.

“Al mismo tiempo en que empezaba a enamorarme, empezaba a quedarme ciega…”

Aki

Romance

Môjû poco a poco empuja al espectador a ser testigos de la sensibilidad exquisita, donde el contacto físico es climático y la brusquedad y profundidad del contacto se vuelve sublime. Môjû no deja de ser una historia de amor, que influye filmes posteriores y toca el tema des sadomasoquismo en un Tokio que empezaba a confundirse.

El deseo de explorar por medio de los sentidos, se vuelve en ambos personajes su motor de vida, Aki finalmente acepta su condición de invidencia y se entrega a los placeres que puede llevar su nuevo rol, mediante la pasión y el amor de otro nivel. El arte se convierte en obsesión, en una manipulación emocional para dentro de la familia, el amor en agravio a terceros y en una perversa forma “natural” de arte. Michio en una soberbia interpretación, al tocar el cuerpo de Aki, se muestra compulsivo, psicótico y orgásmicamente intenso, la creación obsesiva de Michio, lleva a sus últimas consecuencias, la construcción de su propio imperio, la obsesión que se crea es tremendamente romántica, ya que Michio sólo conoce a su amada por medio del tacto. La exploración de los sentidos, la sensibilidad y un cuerpo perfecto para crear una obra maestra, las formas más intensas de comunicación desde las sutiles palpitaciones hasta los golpes, para un clímax demente.

La pareja se trastorna con el amor que mana de ellos, el tiempo parece perder cualquier significado y el mundo exterior deja de existir, Los juegos eróticos se vuelven más intensos y violentos, de mordida pasan a cuchillos y martillos, de una caricia a la amputación de brazos y piernas, que en su lenguaje es la sublimación de las caricias. Finalmente el único toque de luz que observamos es una lágrima.

Môjû nos recrea una pregunta interesante, el factor de la violencia contra la posibilidad de amor, el filme muestra el punto mas álgido de estos afectos amorosos mediante la violencia, hasta llegar a un sexo tántrico surreal, mismo que ocho años más tarde vuelve a recrear a su forma Oshima en El imperio de los sentidos, la agonía será la ultima forma de éxtasis, ambos deciden tomarse el uno al otro, entregarse, hasta el ultimo momento de su vida.

Cuando Michio viola a Aki, esta comienza a cambiar, es decir, quien cambia no es Aki en sí misma, es su cuerpo quien la cambia, poco a poco la sumisión y el juego SM[1] comienza, de ahí la dualidad a las posturas de apreciación del filme, una película de amor con ternura, cariño y confianza en el cónyuge, o aberrante, con tortura, degradación, mutilación y falta de respeto.

“Silueta, forma y color, no pueden alcanzar el tacto…”

Aki

Filme

La etiqueta de psicópata sexual se remienda, en la actitud de Aki, quien toma un rol, incluso predominante y quien es finalmente quien constituye el final. Masumura con una educación formal en cinematografía utiliza recursos específicos para crear el ambiente deseado, el narrador en la voz en off siempre de Aki nos hace presentes con toda la empatía que significa, durante el filme se sugieren varias escenas de sangre explícita, pero nunca aparecen, la iluminación se torna voyeurística en primera persona, la música juega y construye un choque entre lo emocional y visceral. “Lao tse señalaba que la idea de belleza se desprendía de un ideal estético que aspiraba al vacío, en el que la verdadera belleza no podía aparecer en el mundo material si éste no se despojaba de casi todo”[2].

A través de la oscuridad, se tiene la posibilidad de valorar lo incompleto, que en apariencia para occidente lo es, pero que tiene un trasfondo complejo y puro. El vacío que es la ausencia de contorno en Michio y Aki, se muestra como la gran posibilidad de sentido y algo universal, finalmente la oscuridad hablando en términos visuales es innata al ser humano.

El rapto inicial como punto argumental se desvirtúa gradualmente con la aceptación de Aki, lo mismo sucede con la obsesión, la cual no sólo pierde grandeza, sino que se revierte, a pesar de que la perturbación es innata en el espectador al observar el filme.

El estudio de Michio es bastante amplio y, acorde a la cultura japonesa, está en penumbras, dicha oscuridad exagerada en esta ocasión se ha convertido con el tiempo en estética, por un orden natural, el estudio forrado de esculturas de partes del cuerpo femeninas y un par de esculturas gigantes mismas que tienen de función, un cortejo, intento de escape, copula y catalizador de emociones, qué mejor que un cuerpo desnudo para tratar de adentrarse a el alma del mismo. El estudio es similar a una cueva y la relación de ambos pasa de un nivel intelectual a uno primario, Aki provoca a Michio en reiteradas ocasiones, argue que las partes del cuerpo de sus esculturas son tan grandes, por su visión de bebé y sobreprotección maternal.

El estudio se muestra enorme, para dar una idea del colosal tamaño de la forma femenina que está al centro del estudio, se muestra a Aki, la modelo protagonista que tiene el tamaño de los senos y a Michio el escultor y raptor que sujeta un pezón del tamaño de sus manos. En este mismo entorno casi único en todo el film, se escucha el eco de los protagonistas, ojos, narices, bocas, piernas, vaginas, brazos, oídos, senos, mientras una melodía rosa, contrasta con solemnidad y drama de la voz de Michio, el filme siempre combina sensaciones, la música va de la ambientación de horror a melodías románticas, de lo grotesco a la ternura.

La iluminación cobra importancia en la emoción de los espectadores, creando un ambiente sofocante, intrigante; ésta parece estar desde el punto de vista del espectador, el estudio parece no tener entradas de luz, lo que también produce la claustrofobia deseada y perfila la expresión de los actores con mucha más intensidad, el cine no es realidad y el uso de la iluminación enriquece netamente la condición de los personajes y su empatía con el espectador.

El filme no es explícito en violencia o sexo, pero estos tópicos pesan más que si fueran visibles, la opresión que genera, la efectividad del relato con la puesta en escena, la hacen una de los filmes que a primera instancia dejan huella, un tinte de juego SM.

En la ultima línea que Aki menciona, Mazumura sugiere que quizás todo fue contado y somos espectadores de un hecho que pudo suceder, le da un toque de veracidad,  aunque el cine no es realidad, esta voz en off se puede interpretar como un eco de su tumba, por lo tanto escuchamos a un personaje que siempre estuvo muerto, los últimos minutos del filme, establecen el cambio de carácter de Aki. A primera vista esta brusquedad en el cambio de actitud que Mazumura decide no tocar delicadamente ni hacer notar la evolución de su carácter. Aki podría pensar que el único motivo para disfrutar de la tortura y llevar la pasión a tales excesos, es debido a que es la única salida, la misma a la que se entrega, al tener que sufrir de una forma u otra, aprende a disfrutarlo y a salirse con la suya, su idea inicial de escapar, de la única forma posible, en un nivel orgásmico. La habitación siempre oscura crece en las tinieblas para los espectadores conforme pasa la película y Aki comienza a perder la vista y a dejarse llevar en ese mundo de oscuridad y florecer táctil.

La escena final es la cúspide y una de las más sublimes que se pueden recordar mientras Aki y Michio hacen el amor, sobre la gigantesca estatua, ella permite que el escultor culmine su obra descuartizándola para de alguna forma recrear también un doble suicidio, con el poético plus de que cada miembro que se secciona provoca el mismo efecto sobre la obra en proceso, Mazumura se salta el drama de sangre para provocar que la estatua caiga en pedazos, creando un mausoleo impecable de una belleza inquietante.

“Eso que generalmente se llama bello no es mas que una sublimación de las realidades de la vida”

Rampo Edogawa

Rampo Edogawa, es uno de los escritores mas reconocidos de Japón, nace en 1884, y muere en 1965, siendo el 28 de junio, día de su muerte, un aniversario luctuoso del país; fan excepcional de Edgar Allan Poe, como escritor, sus novelas se han adaptado al cine desde los años 20, recién incursionado el cine en Japón; hasta la fecha, en total 32 de sus novelas o historias cortas se han adaptado para cine o televisión. El filme que seleccionamos, Môjû, adaptación de 1969, posee otra adaptación en el 2001, y la historia original se publica en un periódico en 1931; más tarde, en 1963 la novela de John Fowle, también llevada al cine, retoma en mismo camino.

La historia original escrita por Rampo cuenta un asesino serial ciego que al masajear a una chica la desmembra y reparte sus piezas por Tokio, Masumura transforma la historia hasta darle un tinte casi minimalista, donde en sus propias palabras, “el amor toma la forma de sadismo y masoquismo.”

“…hasta que cambiamos a cuchillos para extraer nuestro ecstasy”

Japón y oriente

En general el cine de Japón y oriente se entiende de otra manera, la forma, composición, montaje, actuación, ritmo, estética… pero al referirnos a su puesta en imagen y temática del sexo y violencia automáticamente rompe cualquier paradigma occidental, apreciable en series como Guinea pig, Guts of a virgin, o en realizadores como Miike Takashi o Shinya Tsukamoto, el sexo esta severamente condenado y controlado, pero se puede disfrutar en privado, algunas veces desde la más aberrante de las perspectivas. Lo mismo sucede con la violencia inexistente en la realidad, pero que llega a extremos extasiantes en la imaginación de los creadores, de ahí que se hable de la doble moral japonesa, ciudadanos políticamente correctos en público y maniacos depravados en privado.

El cine japonés nos ha legado una de las cinematografías más alucinantes que existen, de entrada Asia es desconocida en occidente, esto aunado al exceso creativo y enfoque temático de algunas producciones la hacen propias del culto, cercanas a lo bizarro más delirante.

50 y 60

En los 50, con la revolución económica y social, el cine erótico en Japón, recrea filmes a contracorriente, productoras especializadas en un género luchando contra Godzillas y dramas épicos que se repetían una y otra vez, “es el nacimiento del cine de evasión, hedonista y nada comprometido con las tradiciones milenarias, el cine que pronto acogerá, una de las mas perversas y trastornadas filmografías de exotismo violento”[3]. A finales de los 50 se empiezan a producir las llamadas Pinku eigas (películas rosas-eróticas) aunque es hasta Daydream de Tetsuji Takechi, que en 1964 se consolida el genero; en 1969 año de la realización de Môjû, casi la mitad de la producción japonesa entraba en esta categoría “este boom provoca el temor de los censores del gobierno, pero antes de que estos pongan en marcha sus tijeras, la misma industria del cine redacta el Eirin, una forma de autorregulación que evitaba los cortes mediante la ocultación de genitales… El sistema contenta a los censores, pero en compensación, los argumentos de las películas se vuelven mucho mas sucios, depravados y enfermizos[4]. Consecuencia de esto se producen filmes eróticos más extremos y de alguna manera lo que se denomino erotismo grotesco (erogro) sadomasoquismo y demás variantes. A finales de los 50, fue el país con mayor producción mundial, “en 1960 los cinco estudios mas importantes de Japón produjeron 547 películas contra las 154 de Hollywood”[5] Una producción incluso mayor a la Indu. Mas allá de Mizoguchi, Ozu, Kurozawa, Kitano, Takeshi, la concepción occidental de cine japonés se referencia de samuráis, estoicos guerreros, freaks sexuales, monstruos gigantes, artes marciales, violencia y sexo; Môjû representa uno de los filmes más influyentes de su época por la mezcla aberrante con la esteticidad autoral, el horror, erotismo, sadomasoquismo y arte.

Ficha técnica

Môjû

Título internacional: La bestia ciega, Ciega obsesión, Blind Beast, Warehouse

Año: 1969

Director: Yasuzo Masumura

Historia Original: Rampo Edogawa

Adaptación: Yoshio Shirasaka

Duración: 86 min

País: Japón

Actores:

Michio – Eiji Funakoshi

Aki – Mako Midori

Mother – Noriko Sengoku

Producción:

Hiroaki Fujii

Masaichi Nagata

Masaichi Nagata

Kazumasa Nakano

Música: Hikaru Hayashi

Fotografía: Setsuo Kobayashi

Montaje: Tatsuji Nakashizu

Dirección de Arte: Shigeo Mano

Bibliografía:

ZINÉFILO, Alex. La noche de los sexos violentos Ed. Glenat Biblioteca Dr. Vertigo (1999)  España.

TOMBS, Pete. Mondo Macabro – El cine más alucinante y extraño del planeta Ed. Circulo Latino – Sitges Festival Internacional de Catalunya (2003) España.

TANIZAKI, Junichiro. Elogio de las sombras. Ed. Siruela (2005)

The Internet Movie Database (http://www.imdb.com/title/tt0140384/)

Filmografía:

“Mojuu” Mazamura Yasuzo – Japón (1969)

“Imperio de los sentidos” (Ai no corrida) Oshima Nagisha – Japón (1976)

“The collector” William wyler – UK-USA(1965)

“Tokio decadence”(Topazu) Ryu Murakami – Japon (1992)

“Tiresia”  Bertand Bonello – Francia / Canada (2003)

“Átame” Pedro Almodóvar – España (1990)


[1] De las siglas en ingles, Slave and Master.

[2] Tanizaki. Elogio de las sombras.

[3] Pete Tombs. Mondo Macabro.

[4] Alex Cinéfilo. La noche de los sexos violentos, p.216.

[5] Pete Tombs. Op. Cit.

Salvador Plancarte Hernández es Licenciado en Comunicación Medios Masivos, actualmente estudia la Maestría en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Guadalajara.


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Un esbozo de Psicosis, por Salvador Plancarte Hernández

Psicosis se basa en un cuento corto de Robert Bloch, mejor conocido cómo uno de los más renombrados escritores del círculo de Lovecraft, creador del mítico Necronomicon y el terror innombrable, aletargado en el espacio. La historia está influenciada por Ed. Gein, personaje que ha merecido numerosas adaptaciones cinematográficas, y es uno de los asesinos más emblemáticos que nos ha legado la humanidad.

La obra de Hitchcock habla de los sentimientos humanos, atentando contra la moral e importándole principalmente las reacciones del hombre cotidiano. Psicosis se enmarca dentro de sus obras cumbres, misma que desafiaría en parte dentro de su contexto fílmico la puesta en escena del asesinato, visualmente hablando (siendo un precursor del slasher como género).

Dentro de la obra de Hitchcock, con más de 50 filmes que empezarían en el periodo mudo y terminarían en el film sonoro y a colores, Psicosis queda como su registro a un cine menos clasicista, el mismo Hitchcock comenta que dirige más al publico que a los actores, obligando a reaccionar y de ahí surge idea del asesinato en la bañera que ha quedado como intertexto por generaciones, un terror psicológico donde el lector se siente más agredido por los recursos narrativos que por la imagen en sí.

La forma serena de contar la historia nos evita una lectura colectiva y se hace más personal, igualmente la estructura dramática se ve coartada con el asesinato de Marion a los 46 minutos, lo que nos obliga a continuar con la historia de frente y nos deja solos para seguir la película sin nadie para crear empatía y a la vez funciona como otra forma de crear un nexo con Norman Bates.

Hitchcock juega con el espectador, siendo su principal énfasis el involucrarnos. Desde el principio la música de Bernard Herrman, se muestra chillante y frenética con un tempo que varía sensiblemente expresando tensión, introversión o tranquilidad y terminan los créditos con unas barras horizontales a manera de ecualizador; la música pasó de realzar una imagen a aportar información y trasmitir una emoción personal.

Hay múltiples maneras en que Hitchcock desea que nos involucremos en la historia, una muy efectiva son los planos subjetivos, cuando Marion se escapa de la ciudad, nos comienza a meter en el personaje, aun sin saber a ciencia cierta lo que pasa, se refleja su rostro y sus ojos grandes con una gran psicología. Los ojos de Marion rara vez parpadean, tiene ciertos rasgos a manera de pájaros, nariz picuda, ojos estáticos.

Desde que el oficial la detiene, Hitchcock decide utilizar un plano al interior del automóvil para involucrarnos y hacernos participes de la posesión del dinero. Marion se encamina nuevamente a la carretera y regresan los planos subjetivos de la carretera y del espejo, que a su vez cumple una función voyeurística. Al cambiar el carro regresan las vistas subjetivas. Las gafas negras del oficial indican que a quien hay que prestar atención es a Marion. De nueva cuenta, en el baño, cuando cuenta el dinero para hacer el intercambio del carro, se encuentra un espejo que involucra al espectador como voyeur y se marca una intención que aunque como espectador no la deseemos, es inevitable de asociar.

La voz en off aparece, mientras maneja, lo que dirían en su trabajo, la voz de su hermana, la plática del oficial con el tendero de autos. De un close up de ella manejando hay una disolvencia encadenada a la vista subjetiva de ella viendo al frente al camino, creo este recurso perspicaz, porque prácticamente ya somos ella. Los planos se acercan más conforme pasa el tiempo y la voz en off se vuelve más taladrante, pero su gestualidad cambia y cuando Marion empieza a sonreír, el espectador se da cuenta que ya es parte del robo, antes de este gesto aun tendríamos incertidumbre de la aceptación de ella misma como delincuente.

Psicosis está hecha de una forma clásica, como es característica de Alfred la puntuación esta muy bien delimitada, de esta manera los recursos innovadores, impactan más; en la plática de Bates con Marion, el cambio de ángulo contrapicado de Bates, nos remite de pronto a un juzgado, además de que él se está abriendo, descubriendo, creando empatía o mejor dicho simpatía.

En la plática Bates se gana al publico, además su prototipo se concibe junto con un imaginario aceptado, un buen hijo, de mirada amable y sensibilidad. Es su misma mirada la que nos remite a la madre, otro cadáver con el que lidia el lector. Desde su postura y forma de caminar a su gestualidad, Bates remite a lo monstruoso dentro de lo conocido, introduce el concepto de lo siniestro mediante el inconsciente.

Finalmente, la última vez que vemos a Marion es desnuda, le vemos los pies, la parte superior del torso, algo que finalmente los espectadores deseaban y nos permite más intimidad con ella, se identifica el cuerpo desvestido con la idea de víctima, con la imagen del cadáver, e incluso con la muerte misma, pero sin negarle por ello su funcionalidad erótica[1]. Todo termina abruptamente, pero es como si aparentara un final feliz, ya que de pronto todos tenemos unos vínculos con Marion, amantes, secuaces, voyeurs. En la transición cae el agua sobre el caño, se funde con ella en ojo. Igual se muestra la implicación en el lector como persona que ha visto algo, que no puede rehusar, o rechazar.

Hablar de la escena de la ducha remitiría un estudio por sí mismo.

Fin.

Título original: Psycho

Año: 1959

Duración: 109 mins.

País: Estados Unidos

Director: Alfred Hitchcock


[1] Arnulfo Velasco: El Placer de las imágenes. P. 35.

Salvador Plancarte Hernández es Licenciado en Comunicación Medios Masivos, actualmente estudia la Maestría en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Guadalajara.


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Ingmar Bergman, “La amenaza de la liquidación”, por Salvador Plancarte Hernández

Bergman aparece como un personaje peculiar, independientemente de su cine que en gran parte toma valor por lo que refleja de su vida. Hombre cargado de sinceridad donde en su mente siempre aparece sospechosamente lucida la muerte. En La linterna mágica cuenta su vida y la relación con su entorno, desde pequeño la muerte es una constante inquietante, se observa como un hombre frío, extremadamente inteligente para sobrellevar las emociones humanas, de ahí que dedique su vida a la exposición de ellas. Hombre irónico que usa el humor de forma demasiado sutil en sus filmes, lo muestra en hechos cotidianos o acciones incidentales pero que rompen la solemnidad de su cine, solemnidad en manejo de cámara, puesta en escena, diálogos dentro de los cánones de la pulcritud, ya sean sórdidos y directos o escuetos y razonados, gracias a ellos se observa el rostro humano, y no se tiene a dónde correr. El hombre se observa desnudo, entre líneas vemos a Bergman, su persona y filosofía; su cine, aunque no llega a ser experimental, sí llega a romper ciertos formalismos, sobre todo con recursos de narrativa, sin perder nunca la solemnidad, independientemente del drama humano mostrado y de ahí la genialidad de Bergman, que en el fondo siempre se observa el ser humano. “Si bien existir es ser un ser con otros, si bien el hombre es un animal dialógico, es asimismo un ser que esta solo, un ser radicalmente incomunicable en sus recovecos últimos y profundos”[1].

Característica importante su relación familiar y con Dios, reflejo y tema siempre presente, como él mismo menciona estuvo rodeado de una educación basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, lo que se ve claramente a lo largo de su filmografía. Se proyecta la paranoia, desesperación, búsqueda de un lugar en el mundo y de sentido. Todo efecto de impulso emocional se transforma en angustia, considerando que lo angustioso es algo reprimido que retorna. La angustia que produce la muerte, la resolvemos con la proyección de un doble[2], este método puede ser utilizado como exorcismo del propio Bergman en sus filmes que se sienten opresivos y sirven como exorcismos y catalizadores. Bergman ha padecido de angustia, al punto de estar internado animado e inanimado a través de pastillas, este fin existencialista lo compensa con un afán de trabajo y aprendizaje para manejar su vida con más resignación que existencia, llegando a una lucha constante contra sí mismo.

Una de las virtudes de Bergman es la exposición de temas fuertes, que están ligados a la existencia humana y que precisamente por lo delicados que pueden ser se exponen poco en un medio que es mayormente de esparcimiento, quizá por eso sabiendo perfectamente del cine como ficción, se atreva a llevar ciertos temas y a tratarlos cinematográficamente de una manera que puede llegar a ser perturbadora o extrema, y balancea esta devoción con recursos narrativos que hace volver al espectador en sí, alejándose por un momento de la inmersión en la proyección, caso seminal de Persona.

Para entender a Bergman, junto con el contexto se exige una competencia del espectador que pocos directores necesitan, Bergman se refiere a ciertos intereses muy específicos con acciones y temáticas mismas que si el espectador no ha tenido cierta relación con ellas, es poco posible que el nivel de lectura que se le de a uno de sus filmes sea el de la persona con ciertas vivencias y experiencias que sí sean similares, filosofía existencialista, la muerte, incomunicación…

De la emoción – personajes y el sello de Bergman

La cultura actual asume como uno de sus rasgos más característicos el desprecio y la condena de la vida emocional, se desea pertenecer a grupos y estar dentro de ciertos lineamientos pero, a la vez no existe la libertad sobre ellos para poder expresarlos, para Mariano Rodríguez, en su libro Introducción a la filosofía de las emociones, las reacciones emocionales se han convertido en auténticas enfermedades mentales. Se le han adjudicado calificativos que dentro de la esfera social pertenecen a ciertas características, al momento de que la emoción trunca la razón, lleva a la torpeza obstaculiza la lucidez, así se ha intentado establecer una existencia hasta cierto punto sosa, donde si bien los sentimientos que se expresan en el cine mayormente contendientes a un fin positivo o en su defecto un intento de exaltación, Bergman al conjugar estas emociones tan fuertes y cotidianas que todo ser humano posee y colocarlas en una puesta en escena de hechos cotidianos, sobrepasa un límite al que no se está acostumbrado como espectador del cine que a lo largo de la historia de este invento se ha ido dando.

“La pasión se opone a la razón, y nos hunde en las tinieblas y nos pierde en el desvarío […] En buena parte, el significado profundo de la vida humana consiste en una lucha sin cuartel entre razón y pasión”[3]. Parece que la pasión detiene el tiempo y no permite el progreso, la naturaleza se equivoca y es trabajo de la razón luchar contra la alineación emocional. Parece que también algo tan irracional como el afecto, requiere de inteligencia, hay afectos que van en contra de la naturaleza, y otros que parecen netamente naturales, la relación con el entorno es un factor importante que determina esta correlación.

Bergman tiene una búsqueda y un sello constante en su obra cinematográfica, la existencia, la toma de conciencia, los personajes se relacionan para existir, pareja familia, aceptación, humillación, acción-reacción infinita, afirmación, apatía, sumisión… dentro de su discurso se observa al hombre con una preocupación por sí mismo y su entorno, donde sus temas son tan fuertes que parece que el hombre es el agente externo al mundo.

No busca el porqué de las cosas, su esencia, sino que es más angustiante, la búsqueda de un lugar en el mundo, la libertad como la cárcel mas grande de todas las cárceles[4], la pluralidad como nudo.

“Los hombres aunque han de morir, no han nacido para eso sino para comenzar”.

La condición humana entendida por Hanna Arendt, menciona que el Hombre solo trasciende enteramente cuando actúa, la contemporaneidad se convierte en un tiempo de enigmas, de inquietud, el pasado acostumbraba ser un tiempo de certezas en todos los ámbitos sociales y culturales.

La tierra se convierte en la esencia que rige la condición humana, en la acción interviene la pluralidad humana, el hecho inevitable de una sociedad, la naturaleza simbólica de las relaciones humanas, la natalidad y la preservación instintiva.

El deseo de escapar de la condición humana, la desesperada confusión, las repeticiones se han convertido en triviales y vacías, la concepción y paradigmas para actuar en los estándares de la sociedad, el problema de la incomunicación, la falta de identidad, entre situaciones y características propias de la regionalización y época con todo el bagaje y creencias que ello incluye. El hombre engloba capacidades humanas que surgen de la propia condición e irremediablemente no pueden perderse.

En una concepción del cine como instrumento transmisor de emociones, el tema no sería lo único importante, incluso la acción podría pasar a segundo plano. Los personajes y las formas en que éstos llegan a la historia y su relación con el entorno, es lo que resulta apasionante, la narrativa de personajes reales está más cercana a la vida, a la empatía con el espectador y a la estética para transmitir emociones.

Un estudio de los personajes, su psicología, paradigmas, etcétera, pueden crear imágenes en sí mismas, expresando desde dentro, no exteriorizando sino sintiendo. En Bergman es innegable la dirección de actores, que aparentemente se observa sobria, sin embargo lleva una gran profundidad y complejidad. “Piensa que los actores viven dentro de un cuerpo como centro de una caverna. Pídeles que no griten con su boca, sino dentro de su boca. Que no expresen con la cara, sino que sientan debajo de la cara. Cuando me desespero, desde adentro, doy puñetazos dentro de mi pecho que está inmóvil frente a la cámara. No me expreso con movimientos, sino con vibraciones. Vivo debajo de la superficie. La superficie del río no se mueve, pero tú sabes que lleva corrientes profundas”[5]. La idea, como menciona Fassbinder, es mostrar el cambio a través del no cambio, se dan cambios radicales hay un devenir en su cine, una toma de conciencia y un acecho del alma, pero la misma idea parece nublar a los personajes, en el momento en que se llega a un punto de que se cambia o se crea un paso, que no tiene ninguna importancia.

Bibliografía

BERGMAN, Ingmar. Linterna Mágica. Ed. Tusquets. BCN, España, 1987.

SÁNCHEZ Moscoso, Elena Alemany. Del existencialismo al best seller. Ed. Dykinson. Madrid, España, 2003.

RODRÍGUEZ González, Mariano. Una introducción a la filosofía de las emociones. Ed. Huerga y Fierro. 1999.

PUIGDOMENECH, Jordi. Genealogía y esperanza en la filosofía de la existencia de Ingmar Bergman (Tesis) http://www.tdx.cesca.es/TDX-0219102-094907/index_an.html (Consultado 2 Mayo 2007)

The Internet movie database. http://www.imdb.com/title/tt0076686/ (Consultado 2 Mayo 2007)


[1] Doménech, Del existencialismo al best seller, Pp. 93.

[2] Erreguerena, el mito del vampiro, Pp. 27.

[3] Rodríguez, Mariano, Introducción a la filosofía de las emociones, Pp. 9.

[4] Javier Corcobado.

[5] Alejandro Jodorowsky.

Salvador Plancarte Hernández es Licenciado en Comunicación Medios Masivos, actualmente estudia la Maestría en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Guadalajara.